L'esthétique du kitsch
Hermès
Une photo d'un dieu grec stylisé d'un corps masculin idéal. Une paire de photographes français a fortement et consciemment introduit l'esthétique séduisante du kitsch dans l'iconosphère contemporaine. Leur succès a été mesuré par les commandes de portraits des plus grands de ce monde: Jean-Paul Gaultier, Paloma Picasso et Marc Almond. L'inspiration pour la composition était une peinture du 19ème siècle par un peintre académique français Jules Delauney. Pierre et Gilles engagent souvent un dialogue avec l'art ancien, ancien et postérieur. Cependant, ils saturent leurs versions des thèmes classiques avec une dose maximale d'érotisme, et peut-être même de perversion.
Hermès, Pierre Commoy et Gilles Blanchard, 2001
Objet de culte
Le berger de Paris
Desmarais n'est pas un peintre très connu, mais les gays canadiens considèrent ce culte de la peinture. Pour cette raison, selon le commissaire de l'exposition de Paris et, en même temps, le directeur du musée - le canadien Guy Cogeval, il ne pouvait en être absent. De plus, combiné avec l'Hermès de Pierre et Gilles, il est devenu son emblème visuel. Aujourd'hui, ça a l'air parfait. Cependant, ce qui est intéressant, lorsqu'il a été présenté au public pour la première fois, on a constaté que le fond était très mal peint, ce qui rendait l'ensemble de la composition pas très bien évalué. Il présente Paris comme un berger innocent, inconscient de son origine royale, et à l'avenir comme l'auteur de la guerre de Troie et de la chute de sa Troie natale.Ce tableau était censé être la preuve d'une excellente connaissance de l'anatomie, car c'était ce que l'on attendait des jeunes étudiants de l'Académie des Beaux-Arts. Et il en était ainsi, même si l'avenir lui offrait de nouveaux contextes homosexuels.
Le berger Parys, Jean-Baptiste Frdric Desmarais, 1787
L'anatomie avant tout
L'égalité avant la mort
Parfois, dans l'histoire de l'art, il y a de telles images qui ne peuvent entrer dans aucune boîte. C'est également le cas de cette œuvre, qui frappe par son naturalisme violent et inattendu, anticipant l'apparition de cette tendance dans la littérature et l'art. Non seulement cela, en fait Bouguereau était un idéaliste et académicien assermenté dans son art, et cette peinture est une sorte d'étrange accident de travail. Sentir que le peintre a voulu montrer quelque chose d'extrêmement important, une sorte de vérité éternelle, bien sûr habillée de compétences académiques: l'anatomie avant tout! Dans le même temps, l'histoire de l'art connaît le noble ancêtre de cette production, à savoir le tableau "Le Christ mort" de Hans Holbein (peint dans les années 1521-1522), devant lequel,Dostoïevsky était sur le point de perdre la foi.
L'égalité avant la mort, William Adolphe Bouguereau, 1848
Enchanté
Jason et Médée
Moreau était un peintre qui voulait tout savoir, tout recréer, tout peindre lui-même. Pour lui, l'histoire de l'art était comme un livre ouvert qu'il fallait utiliser constamment. Il a étudié les réalisations d'artistes des époques révolues et a été capable de créer des œuvres de tous les styles, mais heureusement, il a créé dans le sien, peut-être un peu trop ornemental et surchargé de détails, mais sans aucun doute toujours engagé dans l'histoire racontée. Dans le corps hermaphrodite de Jason, Moreau a combiné l'idéal des nus de la Renaissance avec les réalisations du classicisme du XIXe siècle. Le jeune homme blond devait ses succès mythiques - la rune obtenue - aux sorts de Médée, qui était amoureuse de lui. Vous pouvez le voir dans son regard affectueux et le geste attentionné de la main posée sur son épaule.À ce stade, vous pouvez toujours voir l'amour et l'harmonie, mais dans la mythologie Médée reste synonyme de vengeance et d'infanticide.
Jason et Médée, Gustave Moreau, 1865
Comme une copie de la nature
Âge du bronze
Cette vision parfaite du corps masculin a été mal accueillie par les contemporains, car elle était simplement considérée comme un casting d'un modèle vivant. Dans cette œuvre juvénile, Rodin révèle sa maîtrise absolue, la maîtrise totale de l'atelier. Il est difficile de trouver un acte de reconnaissance plus grand que le soupçon qu'il s'agit d'une copie de la nature et non d'une composition propre à un artiste. Dans cette œuvre, la capacité humaine à recréer la réalité atteint sa plénitude absolue sans le moindre doute, et libère enfin la sculpture de toute obligation envers l'architecture ou la décoration. Finalement, la sculpture a gagné son indépendance.
L'âge du bronze, Auguste Rodin, 1877
Pilier du symbolisme
La roue de la fortune
Burne-Jones était l'un des représentants les plus importants du groupe de peintres anglais connus sous le nom de préraphaélites. Cette peinture est peut-être son œuvre la plus célèbre, reproduite à plusieurs reprises et importante pour le symbolisme qui émergeait en Europe à cette époque. Il est également difficile de trouver une présentation plus éloquente que celle-ci. La fortune a été imaginée comme aveugle, mais dans Burne-Jones, bien que ses yeux soient ouverts, il n'a aucune influence sur qui émergera sur la roue de la fortune qu'il fait tourner. Les rois et autres puissants de ce monde apparaissent un instant et périssent à nouveau, noyés. Le thème ancien sert une fois de plus à montrer les nus masculins extraordinaires inspirés par l'art de Michel-Ange, l'interprète inégalé de l'anatomie masculine. Burne-Jones est son débiteur impayé.
Roue de la fortune, Edward Burne-Jones, 1877
